domingo, 18 de enero de 2015
Sam Taylor-Wood. Obra "Still life"
"Still Life" es como se denomina a bodegón en inglés. Creo que es un nombre más apropiado que el de Naturaleza Muerta o Bodegón, como hemos visto en las entradas anteriores del blog.
Still Life", un plato de fruta en descomposición, es una película de Sam Taylor-Wood. La música "Preservación Divina" es por Keith Kenniff. El trabajo puede ser visto en el Exploratorium de San Francisco.
Música "Preservación Divina", de Keith Kenniff
Still Life", un plato de fruta en descomposición, es una película de Sam Taylor-Wood. La música "Preservación Divina" es por Keith Kenniff. El trabajo puede ser visto en el Exploratorium de San Francisco.
Música "Preservación Divina", de Keith Kenniff
REVISTA.
Os he diseñado esta revista en ISSUU. Nos explica porque en los bodegones aparecen elementos como frutas, calveras, libros, instrumentos musicales... todo tiene un significado. Con esta lectura comprenderás mejor porqué Ori Gerhst y otros artistas han llegado a su concepción del Bodegón. Es una explicación de la visión del tiempo y el espacio en la pintura de bodegones a lo largo de la historia.
jueves, 15 de enero de 2015
Repaso. El bodegón en el arte contemporáneo.
El bodegón en el arte contemporáneo
En el Impresionismo, Manet y Renoir se muestran como dos magníficos bodegonistas en cuadros de temática más amplia. Así por ejemplo, a Manet
le agradaba mucho pintar bodegones, y a menudo los integra en telas de
otros géneros. Sobre todo flores, pero también objetos. Llega a
definirlos como “la piedra angular de la pintura. Un buen pintor se
reconoce por su capacidad para expresar la simplicidad de un fruto”.
Heredero de los valores del Impresionismo es el Postimpresionismo, con artistas para quienes el bodegón constituye una parte importante de su producción, caso de Cézanne y Van Gogh.
El pintor surrealista Magritte
emplea en sus bodegones elementos de uso cotidiano, con los que compone
escenas que causan extrañeza, recurriendo una vez más al recurso a la
paradoja con el que consigue suscitar efectos de desconcierto, sorpresa
y misterio sin parangón en la pintura de su época. Así ocurre por
ejemplo en su famosa obra La traición de las imágenes, a la
que se refiere de la manera siguiente: “¿La famosa pipa? No se cansaron
de hacerme reproches. Pero, ¿puede usted llenarla? No, claro. Se trata
de una mera representación. Si hubiese puesto debajo de mi cuadro: Esto
es una pipa, habría dicho una mentira”. La frase se trata de una
explicación engañosamente simplista, porque alude a que la pintura no
es la realidad sino sólo pintura.
Por último, el máximo representante del Pop Art, Andy Warhol, se convierte en autor de los nuevos bodegones del siglo XX. Warhol siempre manifestó que con su pintura quería representar la sociedad de su época, por cuanto a su juicio un pintor tiene la obligación de plasmar en sus obras la sociedad en la que le ha tocado vivir. En este sentido, las sopas y las verduras enlatadas, y las bebidas embotelladas, dicen más sobre nuestras costumbres, que la mayoría de los testimonios culturales. Las sopas Campbell, la Coca Cola, el detergente Brillo y el tomate Heinz representan una forma y un nivel de vida. Informan sobre la humanidad en la segunda mitad del siglo XX, sobre las técnicas de producción y conservación, así como sobre las costumbres alimenticias colectivas, en definitiva, sobre las formas humanas de comportamiento, algo que será estudiado con sumo interés por los antropólogos del futuro. Cuando Warhol eligió los botes de sopa Campbell o las botellas de Coca Cola, como motivos de su arte, los elevó a la categoría de verdaderos iconos de la cultura contemporánea. Esto fue posible merced a la decisión de un artista que, por así decirlo, los ennobleció y les concedió el rango de obras de arte. Al trasladarlas al lienzo, las elevó artísticamente y las condujo de los supermercados a las galerías de arte. En definitiva, “el gran mérito de Warhol no fue pintar cincuenta latas de sopa, sino la idea de pintar cincuenta latas de sopa” llegó a afirmar Marcel Duchamp.
En el Impresionismo, Manet y Renoir se muestran como dos magníficos bodegonistas en cuadros de temática más amplia. Así por ejemplo, a Manet
le agradaba mucho pintar bodegones, y a menudo los integra en telas de
otros géneros. Sobre todo flores, pero también objetos. Llega a
definirlos como “la piedra angular de la pintura. Un buen pintor se
reconoce por su capacidad para expresar la simplicidad de un fruto”.
Heredero de los valores del Impresionismo es el Postimpresionismo, con artistas para quienes el bodegón constituye una parte importante de su producción, caso de Cézanne y Van Gogh.
Muy apropiados a su lenguaje formal, Cézanne
decide introducir en sus temas los bodegones, que son estables, tienen
una forma definida, un volumen, y además se puede hacer la composición
que se desee, modificándola como uno quiere. En sus bodegones, el
pintor francés decide aplicar el volumen de la esfera, y también el
del cilindro y el del cono. Frutas de formas redondeadas, jarros y
botellas cilíndricas, y copas cónicas, constituyen el repertorio
básico de sus naturalezas muertas. En otras ocasiones aparecen también
jarras, ollas y platos, y muchas veces un solemne mantel blanco, que da
a los cuadros un cierto acento barroco, al estilo de los bodegonistas
holandeses. En los frutos es donde mejor logra configurar los
volúmenes, valiéndose de una refinada combinación de colores. Son
bodegones desordenados con la intención de evitar cualquier sensación
de artificio, pues no trata de producir una ilusión perfecta.
Por su parte, el holandés Vincent Van Gogh
pintó varios bodegones que en la mayoría de las ocasiones se
convierten en fiel reflejo y testimonio de sus sentimientos y estado de
ánimo. Es el caso de sus lienzos de girasoles, destinados a la
decoración de la habitación de Gauguin
en la casa amarilla de Arlés. Destaca la individualización que hace
el artista de cada una de las flores, recuerdo de la pintura japonesa.
Las flores están trazadas con meticulosa precisión; sin embargo la
pastosa aplicación del color, la caótica disposición de las hojas, la
fuerza luminosa que surge de su interior ante el fondo azul celeste
dotan al cuadro de un significado que va mucho más allá de la simple
reproducción de unas flores. Estos girasoles encarnan la imaginación
del artista, su identificación con ellos, y son el exponente de esa
profunda fuerza expresiva que parecen haberle sugerido. Por su parte, la
Silla de Vincent se convierte en emblema de lo sencillo y lo natural,
así como en metáfora de la profunda soledad que experimenta el pintor.
El bodegón es también uno de los temas más frecuentes de los pintores cubistas. Picasso, Braque o Juan Gris
recurren a este género con frecuencia, representando los objetos de
forma fragmentada y, en ocasiones, empleando otros materiales además de
los pigmentos, como hojas de periódicos o papeles de colores, creando
auténticos “collages”.
Por último, el máximo representante del Pop Art, Andy Warhol, se convierte en autor de los nuevos bodegones del siglo XX. Warhol siempre manifestó que con su pintura quería representar la sociedad de su época, por cuanto a su juicio un pintor tiene la obligación de plasmar en sus obras la sociedad en la que le ha tocado vivir. En este sentido, las sopas y las verduras enlatadas, y las bebidas embotelladas, dicen más sobre nuestras costumbres, que la mayoría de los testimonios culturales. Las sopas Campbell, la Coca Cola, el detergente Brillo y el tomate Heinz representan una forma y un nivel de vida. Informan sobre la humanidad en la segunda mitad del siglo XX, sobre las técnicas de producción y conservación, así como sobre las costumbres alimenticias colectivas, en definitiva, sobre las formas humanas de comportamiento, algo que será estudiado con sumo interés por los antropólogos del futuro. Cuando Warhol eligió los botes de sopa Campbell o las botellas de Coca Cola, como motivos de su arte, los elevó a la categoría de verdaderos iconos de la cultura contemporánea. Esto fue posible merced a la decisión de un artista que, por así decirlo, los ennobleció y les concedió el rango de obras de arte. Al trasladarlas al lienzo, las elevó artísticamente y las condujo de los supermercados a las galerías de arte. En definitiva, “el gran mérito de Warhol no fue pintar cincuenta latas de sopa, sino la idea de pintar cincuenta latas de sopa” llegó a afirmar Marcel Duchamp.
- Cocacola Cajas de brillo. Bodegón pop en escultura
miércoles, 7 de enero de 2015
Ori Gersht's Pomegranate
ORI GERHST
La belleza de la violencia, el caso de Ori Gersht
¿Puede provocar belleza la violencia? Sé que empezar esta entrada con
esta pregunta puede escandalizar a algunos pero surge viendo los
audiovisuales que crea el artista israelí Ori Gersht.
 |
| Ori Gersht, Time After Time, Untitled #09, 2007 |
Otra de sus obras, Big Bang. Esta obra muestra un ramo de flores
perfectamente dispuesto en un jarrón de cristal, que tras unos segundos
de calma y posterior pequeño pitido, a modo de sirena, explota
haciéndose añicos. El resultado es un espectáculo para la vista, miles
de fragmentos de diferentes colores se entremezclan al salir despedidos
del centro.
Pero, ¿es sólo el espectáculo de colores al que me refiero o además esa
acción violenta es bella por sí sola?. Lo que tenemos claro es que la
obra ha sido generada por una acción violenta, una detonación de
explosivos ocultos entre las flores préviamente congeladas gracias a un
baño de nitrógeno. ¿Podríamos decir que esa acción violenta nos ha
gustado? ¿Podríamos concretar si ese placer visual ha sido el
espectáculo posterior a la explosión o la propia explosión puede agradar
al espectador? En este sentido deberían hablar neurólogos porque parece
que algo hay, la violencia hace que nuestro cuerpo genere dopamina y esa sustancia proporciona placer, en algunos casos de forma anormal, entonces nos encontramos ante casos patológicos.
En definitiva, sí es posible que la violencia genere un efecto de aceptación de la obra, en forma de placer adicional al que proporciona la "belleza visual".
En definitiva, sí es posible que la violencia genere un efecto de aceptación de la obra, en forma de placer adicional al que proporciona la "belleza visual".
Podría ser el mismo caso de las fotografías que Harold Edgerton conseguía gracias a la utilización del flash estroboscópico.
En dichas fotografías un disparo de un arma atraviesa un objeto y lo
hace estallar en pedazos, sería un precedente de otra obra de
Gesrht, Pomegranate.
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| Harold Edgerton. |
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| Harold Edgerton. |
Podemos observar que en Pomegranate se une el bodegón clásico de Sánchez Cotán con el disparo de Harold Edgerton.
La tranquilidad en la visión del bodegón, en el que no debería pasar
nada al tratarse de una naturaleza muerta, se quiebra por un disparo
inesperado que rompe una de las frutas del bodegón. Dos elementos, el
bodegón y el disparo, que adopta Gersht de artistas anteriores para el
uso en su proceso creativo.
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| Bodegón de Sánchez Cotán. c 1600 |
EL BODEGON EN LA ACTUALIDAD ORI GERHST/ KENRO IZU/ SAM TAYLOR
ORI GERHST
https://www.youtube.com/watch?v=z9KyKTWRW20
http://www.youtube.com/watch?v=y9faYoKrOR0&NR=1
KENRO IZU
SAM TAYLOR
http://www.youtube.com/watch?v=MIzXWGcb3u0
Copy and WIN : http://bit.ly/copy_win
ORI GERHST
https://www.youtube.com/watch?v=z9KyKTWRW20
http://www.youtube.com/watch?v=y9faYoKrOR0&NR=1
SAM TAYLOR
http://www.youtube.com/watch?v=MIzXWGcb3u0
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